[COLOGNE] SEASONS CHANGE: SCOTT MCFARLAND

[ENGLISH]

 

CHOI&LAGER Gallery is pleased to present Seasons Change, an exhibition of recent photographic works by Canadian artist Scott Mcfarland.

Since the late 1990’s, the artist has been making large-format images that explore the parameters and limits of photographic representation through extended visual studies of particular environments.

McFarland’s crystalline, hyperreal images derive from a laborious technical methodology, in which he exposes multiple large-format negatives at a given scene, digitizes them and painstakingly reassembles the images into a seamless, cohesive composite.

The resulting image is one that leverages Realist aesthetics in service of imbuing the work with the long-held notion of photography’s indexical ‘truth’, while simultaneously disavowing it by doing away with the singular ‘decisive moment’.

Such a practice is, of course, familiar territory followjng the emergence so-called Vancouver School of conceptual photographers throughout the 90’s and early 2000’s, for whom the careful blending of photography’s (supposedly) documentary nature with cinematic staging was a stock-in-trade. Indeed, there is a clear alignment between McFarland and the work of Jeff Wall (under whom the artist studied) in both methodological terms and in their extensive use of art-historical referentiality in subject matter, while one also senses the influential presences of Gregory Crewdson and Hannah Starkey in the artist’s rendering of light and penchant for ambiguous narratives.

Where McFarland sets himself apart from these masters of the Tableux-Photograph form, however, is in his adept integration of multiple temporalities into the pictorial plane. Unlike the aforementioned, the artist rarely stages his human subjects; instead he creates spatial and gestural relations between them through extended observation of people’s comings-and-goings within the scene, serial exposures and a mastery of post-processing that creates unresolvable narratives perhaps best characterized as “non/fiction”. Neither is the landscape itself pinned to one spot on the space-time continuum; be it through recognizably multi-directional shadows, the jarring proximity of different seasonal foliage or subtle amalgamations of spatially-discrete scenes, McFarland’s images successfully integrate the stasis of the photographic with the durational aspect of the filmic. In this way, the artist frames the locale as a distinct narrative agent unto itself, in a shift away from the deliberate aesthetic of banal placelessness cultivated by many of his contemporaries.

These ideas of referentiality, ambiguous narratives, locale-specificity and spatial reconfiguration are all very much at play in McFarland’s New Orleans Pictures series, which forms the core of CHOI&LAGER’s exhibition.

Having previously produced bodies of work that explored the highly constructed and codified environments of private gardens, public parks, rustic cabins and popular zoos, for this series the artist turned his attention to reworking popular representations of that distinctive city. Commercial depictions of its’ French Quarter, Garden District, street cars and Mississippi steam boats are reconsidered in order to present a more “Realist” interpretation of these familiar scenes.

Staff Meal, (2014) in particular, draws equally on the pop-culture legacy of Galatoires Restaurant (with all it’s associations with Tennesee Williams and Mid-19th Century gentility) and the multiple art-historical references encoded in its composition.

The eye is immediately drawn to the unremarkable-looking female staff member sitting alone at a table for four, captured at a moment that hovers ambiguously between active eating and uninterested picking, her posture and expression undefinable as either engaged in her task or absentmindedly passing time. A small signifier of almost-comically banal realism reveals itself amongst the wealth of visual detail; where does her bland-looking plate of fried chicken and accompaniment of water fit in with the pop-culture image of Galatoires as the hub of fine French-Creole cuisine par excellence?

From here, the focus shifts to the mirror behind her, in which one registers the restaurant’s lighting fixtures, the bustle of patrons and the apparent bonhomie between the four male staff members depicted as enjoying a meal together at the table opposite.

With its play on constrained pictorial space extended by mirrors and the interrelations of its subject mediated by gender, class and economics, this image clearly tips its’ hat to Velázquez’s Las Meninas, and stakes its place in a nexus of artworks that subsequently referenced that piece (Manet’s Un bar aux Folies Bergère and Jeff Wall’s Picture For Women chief among them), with a dash of Edward Hopper for good measure.

Maurice Merleau Ponty’s idea of the mirror as the instrument of a universal magic that changes things into spectacles, spectacles into things, me into others, and others into me is an apt one to keep in mind for all the works presented at Seasons Change. Throughout New Orleans Pictures, Concrete Cottage and other non-series works, the artist treats photography as much the same sort of instrument, foregrounding the artifice of the photographic process and object through use of sparkling-rendered detail, overwhelming panoramic format and spectacles resulting from virtuosic temporal and spatial disruption.

These are images born from the interplay of other images, texts and histories that we construct and are constructed by; Scott Mcfarland’s ability to hold them all in a productive balance marks him as one of the most important photographic artists working today.

 

 

[DEUTSCH]

 

Die Galerie CHOI&LAGER freut sich, Seasons Change zu präsentieren, eine Ausstellung neuerer fotografischer Arbeiten des kanadischen Künstlers Scott Mcfarland.

 

Seit den späten 1990er Jahren stellt der Künstler großformatige Bilder her, die die Parameter und Grenzen der fotografischen Darstellung durch ausgedehnte visuelle Studien bestimmter Umgebungen erkunden.

 

McFarlands kristalline, hyperreale Bilder sind das Ergebnis einer mühsamen technischen Methode, bei der er mehrere großformatige Negative einer bestimmten Szene belichtet, sie digitalisiert und die Bilder in mühevoller Kleinarbeit zu einem nahtlosen, zusammenhängenden Komposit zusammensetzt.

 

Das Ergebnis ist ein Bild, das die Ästhetik des Realismus nutzt, um das Werk mit der seit langem geltenden Vorstellung von der indexikalischen "Wahrheit" der Fotografie zu versehen, während er sie gleichzeitig desavouiert, indem er den singulären "entscheidenden Moment" abschafft.

 

Eine solche Praxis ist natürlich ein vertrautes Terrain nach dem Aufkommen der so genannten Vancouver School of Conceptual Photographers in den 90er und frühen 2000er Jahren, für die die sorgfältige Vermischung des (vermeintlich) dokumentarischen Charakters der Fotografie mit der filmischen Inszenierung zum Handwerkszeug gehörte. In der Tat gibt es eine klare Übereinstimmung zwischen McFarland und dem Werk von Jeff Wall (bei dem der Künstler studiert hat), und zwar sowohl in methodischer Hinsicht als auch in Bezug auf die umfassende Verwendung kunsthistorischer Bezüge in der Thematik, während man auch die einflussreiche Präsenz von Gregory Crewdson und Hannah Starkey in der Wiedergabe von Licht und der Vorliebe des Künstlers für mehrdeutige Erzählungen spürt.

 

Was McFarland jedoch von diesen Meistern der Tableux-Fotografie unterscheidet, ist seine geschickte Integration verschiedener Zeitlichkeiten in die Bildebene. Im Gegensatz zu den oben genannten inszeniert der Künstler seine menschlichen Subjekte nur selten; stattdessen schafft er räumliche und gestische Beziehungen zwischen ihnen durch ausgedehnte Beobachtung des Kommens und Gehens der Menschen innerhalb der Szene, durch Serienbelichtungen und eine meisterhafte Nachbearbeitung, die unauflösbare Erzählungen hervorbringt, die vielleicht am besten als "non/fiction" bezeichnet werden können. Auch die Landschaft selbst ist nicht auf einen Punkt im Raum-Zeit-Kontinuum fixiert; sei es durch erkennbar multidirektionale Schatten, die auffällige Nähe verschiedener jahreszeitlicher Laubbäume oder subtile Verschmelzungen räumlich diskreter Szenen, McFarlands Bilder integrieren erfolgreich die Stasis des Fotografischen mit dem zeitlichen Aspekt des Filmischen. Auf diese Weise macht der Künstler den Ort zu einem eigenständigen erzählerischen Akteur und entfernt sich damit von der bewussten Ästhetik der banalen Ortlosigkeit, die viele seiner Zeitgenossen pflegen.

 

Diese Ideen von Referenzialität, mehrdeutigen Erzählungen, Ortsspezifik und räumlicher Neukonfiguration sind in McFarlands New Orleans Pictures-Serie, die den Kern der CHOI&LAGER-Ausstellung bildet, sehr präsent.

 

Nachdem er sich in früheren Werken mit den stark konstruierten und kodifizierten Umgebungen privater Gärten, öffentlicher Parks, rustikaler Hütten und beliebter Zoos beschäftigt hat, wendet sich der Künstler in dieser Serie der Überarbeitung populärer Darstellungen dieser unverwechselbaren Stadt zu. Kommerzielle Darstellungen des French Quarter, des Garden District, von Straßenbahnen und Mississippi-Dampfschiffen werden neu betrachtet, um eine "realistischere" Interpretation dieser vertrauten Szenen zu präsentieren.

 

Insbesondere Staff Meal (2014) stützt sich gleichermaßen auf das popkulturelle Erbe des Galatoires Restaurant (mit all seinen Assoziationen zu Tennesee Williams und der Vornehmheit des mittleren 19. Jahrhunderts) und die zahlreichen kunsthistorischen Referenzen, die in der Komposition verschlüsselt sind.

 

Das Auge wird sofort von der unscheinbar aussehenden weiblichen Angestellten angezogen, die allein an einem Tisch für vier Personen sitzt und in einem Moment festgehalten wird, der zwischen aktivem Essen und uninteressiertem Herumstochern schwankt; ihre Haltung und ihr Gesichtsausdruck lassen nicht erkennen, ob sie mit ihrer Aufgabe beschäftigt ist oder geistesabwesend die Zeit verbringt. In der Fülle der visuellen Details offenbart sich ein kleiner Hinweis auf einen fast schon komisch banalen Realismus: Wie passt ihr bieder aussehender Teller mit gebratenem Hähnchen und dem dazugehörigen Wasser zu dem popkulturellen Bild von Galatoires als dem Zentrum der feinen französisch-kreolischen Küche schlechthin?

 

Von hier aus verlagert sich der Fokus auf den Spiegel hinter ihr, in dem man die Beleuchtungskörper des Restaurants, das geschäftige Treiben der Gäste und die scheinbare Freundschaft zwischen den vier männlichen Angestellten, die am Tisch gegenüber eine Mahlzeit genießen, wahrnimmt.

 

Mit seinem Spiel mit dem eingeschränkten, durch Spiegel erweiterten Bildraum und den durch Geschlecht, Klasse und Ökonomie vermittelten Beziehungen seines Sujets nimmt dieses Bild eindeutig Bezug auf Velázquez' Las Meninas und reiht sich in eine Reihe von Kunstwerken ein, die sich später auf dieses Werk bezogen (vor allem Manets Un bar aux Folies Bergère und Jeff Walls Picture For Women), mit einem Hauch von Edward Hopper als Zugabe.

 

Maurice Merleau Pontys Idee des Spiegels als Instrument einer universellen Magie, die Dinge in Spektakel, Spektakel in Dinge, mich in andere und andere in mich verwandelt, ist eine treffende Vorstellung, die man bei allen in Seasons Change präsentierten Werken im Hinterkopf behalten sollte. In New Orleans Pictures, Concrete Cottage und anderen Werken, die nicht aus der Serie stammen, behandelt der Künstler die Fotografie als eine Art Instrument, das die Künstlichkeit des fotografischen Prozesses und des Objekts in den Vordergrund stellt, indem er glitzernde Details, überwältigende Panoramaformate und Spektakel, die sich aus virtuosen zeitlichen und räumlichen Brüchen ergeben, verwendet.

 

Es sind Bilder, die aus dem Zusammenspiel anderer Bilder, Texte und Geschichten entstehen, die wir konstruieren und von denen wir konstruiert werden; Scott Mcfarlands Fähigkeit, sie alle in einem produktiven Gleichgewicht zu halten, macht ihn zu einem der wichtigsten Fotokünstler der Gegenwart.