[COLOGNE] QUOTIDIAN FEVER: YUN KYUNG JEONG

[ENGLISH]

 

Yun-Kyung Jeong is a Korean painter largely educated in the UK. She received her BA from the College of Art & Design at Ewha Womans University in 2006 and completed her MFA at the Slade School of Fine Art in 2008. She now lives and works in Seoul. Quotidian Fever is her first solo exhibition at JARILAGER Gallery Cologne.

 

Jeong describes the inspiration behind her paintings as a sensorial return to the night, often evoked as a subaqueous world: the feeling of sea salt on moist skin, deep underwater breathing, silence, tidal visions flickering between darkness and light. She translates these impressions into vibrant colours and a complex abstract language of layered patterns and organic growth. Her landscapes resemble amniotic ecosystems – ancestral places in her memory and imagination to which she returns to find impulses to move forward. Here, her body finds space to recover, and what has been lost, injured or cut can begin to grow again.

 

Jeong’s painting routine changed profoundly after getting married and becoming a mother. She now paints during the day, while the night, once a space of intimacy and reflection, has become distant. Day after day, she tries to gather the pieces of her lost nights and hold them together through painting. In her technique, this process takes shape as a delicate negotiation between balance and imbalance – a tension at the heart of much Eastern spirituality, where opposing forces are seen not as contradictions, but as vital components of human nature. At first glance, Jeong’s compositions may appear chaotic, like a body in constant flux, swallowing, digesting, transforming. Membranes and lines ripple across the surface, pulsing like micro-organisms under a microscope. And yet, harmony is central. The artist works to visualise how things might come together, how memories might turn into recognitions. For over a decade, she has been refining her own repertoire of patterns, layering them with precision to generate fresh perspectival effects each time. This formal complexity is sustained by a versatile approach to materials: acrylic paint, oil sticks, charcoal, pencil and ultra-thin collaged paper. All elements coexist in a shifting equilibrium – one she has to explore daily, testing the conditions under which a painting might begin to breathe autonomously. Usually, she draws a vertical line down the centre of the canvas to support symmetry, a diaphragm that holds tension and release.

Jeong’s paintings echo the organic rhythms that have shaped her, both as a woman and as a body. The canvas feels like a living skin, unprimed, thus exposed as it is, scattered by waves of colour. The visual language is rooted in the natural cycles of birth, expansion and decay. Mountains, plants, seawater, the sky – nature as a whole stretches and ruptures, swells and recedes, flourishes and fades, much like the human body growing older. Fine layers of paper, like translucent pellicles over pools of paint, their edges dented or frayed, suggest fragile thresholds between the inside and the outside. Each form seems to break through the breathing hole of a blue-green night. In one painting, a gentle fall of camellia (sandawha) petals scatters mid-air, transforming into a flock of birds. In another, black waterfalls flow inwards, drawn to a magnetic core where energy turns dense.

 

Though fully abstract, Jeong’s paintings hold onto traces of the world with a sensorial force that absorbs even the darkest natural phenomena. Illness, for instance, is never named, but it lingers. This sensorial charge intensifies in the recurring bands of yellow neon light that cut across her works. The motif was born during the Covid pandemic, translating the compulsive movement of fingers across screens – our only link to the outside world – still warm with the memory of touch. Handled with rare delicacy, her aesthetics turn a time of crisis into a gesture of presence and care, a way to remain close despite the distance. Her works, in this light, always invite quiet reconstruction: unfamiliar feelings and painful symptoms rise from the deep waters of the night to be acknowledged, accepted and slowly reassembled into something whole.

 

[GERMAN]

 

Yun-Kyung Jeong ist eine koreanische Malerin, die überwiegend im Vereinigten Königreich ausgebildet wurde. Sie erhielt 2006 ihren BA vom College of Art & Design der Ewha Womans University und schloss 2008 ihren MFA an der Slade School of Fine Art ab. Heute lebt und arbeitet sie in Seoul. Quotidian Fever ist ihre erste Einzelausstellung in der JARILAGER Gallery Köln.

 

Jeong beschreibt die Inspiration hinter ihren Gemälden als eine sinnliche Rückkehr zur Nacht, oft als unterseeische Welt imaginiert: das Gefühl von Meersalz auf feuchter Haut, tiefes Atmen unter Wasser, Stille, Gezeitenbilder, die zwischen Dunkelheit und Licht flackern. Diese Eindrücke übersetzt sie in vibrierende Farben und eine komplexe abstrakte Sprache aus geschichteten Mustern und organischem Wachstum. Ihre Bildwelten erinnern an amniotische Ökosysteme – archaische Orte ihrer Erinnerung und Vorstellungskraft, zu denen sie zurückkehrt, um neue Impulse zu finden. Hier findet ihr Körper Raum zur Regeneration, und das, was verloren, verletzt oder abgeschnitten wurde, kann wieder zu wachsen beginnen.

 

Jeongs Malroutine hat sich nach ihrer Heirat und Mutterschaft grundlegend verändert. Heute malt sie tagsüber, während die Nacht, einst ein Raum der Intimität und Reflexion, in die Ferne gerückt ist. Tag für Tag versucht sie, die Fragmente ihrer verlorenen Nächte zu sammeln und sie durch das Malen zusammenzuhalten. In ihrer Technik nimmt dieser Prozess die Form einer feinen Verhandlung zwischen Gleichgewicht und Ungleichgewicht an – einer Spannung, die im Zentrum vieler östlicher spiritueller Traditionen steht, wo Gegensätze nicht als Widersprüche, sondern als notwendige Pole des Menschseins verstanden werden. Auf den ersten Blick wirken Jeongs Kompositionen chaotisch, wie ein Körper in stetem Wandel: verschlingend, verdauend, sich verwandelnd. Membranen und Linien ziehen sich über die Bildfläche, pulsierend wie Mikroorganismen unter dem Mikroskop. Und doch ist Harmonie zentral. Die Künstlerin sucht nach Bildern, in denen sich Dinge verbinden können, in denen Erinnerungen zu Erkenntnissen werden. Seit über einem Jahrzehnt verfeinert sie ihr eigenes Repertoire an Mustern, die sie präzise übereinanderschichtet, um jedes Mal neue perspektivische Effekte zu erzeugen. Diese formale Komplexität wird durch einen vielseitigen Umgang mit Materialien unterstützt: Acrylfarbe, Ölkreiden, Kohle, Bleistift und ultradünnes Collagepapier.

Alle Elemente koexistieren in einem instabilen Gleichgewicht – einem Zustand, den sie täglich neu auslotet, um herauszufinden, wann ein Bild beginnt, eigenständig zu atmen. Meistens zieht sie eine vertikale Linie durch die Mitte der Leinwand, ein Zwerchfell, das Spannung und Entspannung hält.

 

Jeongs Malerei folgt den organischen Rhythmen, die sie geprägt haben, als Frau und als Körper. Die Leinwand wirkt wie lebendige Haut, unbehandelt, nackt dem Strom der Farben ausgesetzt. Ihre Bildsprache wurzelt in den natürlichen Zyklen von Geburt, Ausdehnung und Verfall. Berge, Pflanzen, Meerwasser, Himmel – die Natur als Ganzes dehnt sich aus und bricht, schwillt an und zieht sich zurück, blüht auf und vergeht, so wie der menschliche Körper im Laufe des Lebens. Dünne Papierschichten, wie durchscheinende Folien über Farbpfützen, markieren fragile Schwellen zwischen Innen und Außen. Jede Form scheint durch das Atemloch einer blaugrünen Nacht zu brechen. In einem Bild verwandelt sich ein sanfter Fall von Kamelienblüten (sandawha), die sich in der Luft verteilen, in einen Vogelschwarm. In einem anderen fließen schwarze Wasserfälle nach innen, angezogen von einem magnetischen Zentrum, in dem sich Energie verdichtet.

 

Obwohl Jeongs Bilder völlig abstrakt sind, fangen sie die Spuren der Welt mit einer sinnlichen Kraft ein, die selbst die dunkelsten Naturphänomene in sich aufnimmt. Krankheit zum Beispiel wird nie benannt, ist aber spürbar anwesend. Diese sinnliche Aufladung verdichtet sich in den immer wiederkehrenden gelben Neonstreifen, die ihre Bilder durchziehen. Das Motiv entstand während der Covid-Pandemie und übersetzt die zwanghafte Bewegung der Finger auf den Bildschirmen – unsere einzige Verbindung zur Außenwelt – noch warm aus der Erinnerung an die Berührung. Mit seltener Zartheit verwandelt Jeong diese Krisenzeit in eine Geste der Nähe und Fürsorge, einen Weg, trotz Distanz miteinander verbunden zu bleiben. Ihre Arbeiten laden in diesem Licht stets zur leisen Rekonstruktion ein. Unbekannte Gefühle und schmerzhafte Symptome steigen aus der Tiefe der Nacht auf, um anerkannt, angenommen und langsam zu etwas Ganzem zusammengesetzt zu werden.

 

[KOREAN]

 

정윤경은 영국에서 예술 교육을 받은 한국의 회화 작가이다. 2006년 이화여자대학교 조형예술대학에서 학사 과정을 마친 뒤, 2008년 슬레이드 미술대학에서 석사 학위를 취득했다. 현재는 서울을 기반으로 작업하고 있으며, 전시 Quotidian Fever는 야리라거 갤러리 쾰른에서 열리는 그녀의 첫 개인전이다.

 

정윤경의 회화는 ‘밤’이라는 감각의 세계로 되돌아가는 데서 출발한다. 그 밤은 때로 수중의 세계처럼 느껴진다. 젖은 피부에 스미는 바닷물의 감촉, 물속 깊이 들이쉬는 숨, 고요함, 그리고 어둠과 빛 사이를 오가는 조수의 형상들. 이 감각들은 화면 위에서 생생한 색과 유기적 패턴이 겹겹이 얽힌 추상적 언어로 바뀐다. 작가가 그리는 풍경은 양수처럼 부드럽고 밀도 있는 생태계를 닮아 있다. 기억과 상상 속 깊은 곳에 자리한, 다시 앞으로 나아가기 위해 되찾는 원초적인 장소다. 그곳에서 몸은 다시 숨을 고르고, 사라졌거나 다쳤거나 끊어졌던 것들은 천천히 회복되기 시작한다.

작가의 작업 리듬은 결혼과 출산 이후 크게 달라졌다. 낮에 주로 그림을 그리고, 한때 내밀함과 사유의 시간이었던 밤은 점점 멀어진다. 날마다 그녀는 잃어버린 밤의 조각들을 하나씩 모아 캔버스 위에 붙잡아두려 노력하고, 이러한 과정은 작업 방식에서도 드러난다. 균형과 비균형 사이를 오가는 섬세한 조율, 이는 동양적 사유에서 자주 등장하는 긴장이기도 하다. 상반된 두 힘은 서로를 부정하는 게 아닌, 인간을 이루는 중요한 본질이다. 겉으로 보기엔 복잡하고 혼란스러워 보이기도 하는 그녀의 화면은, 끊임없이 변하는 신체처럼 모든 것을 삼키고 소화하고 바꾸어 나간다. 선과 막이 요동치고, 미생물처럼 꿈틀거리며 표면을 따라 움직인다. 그러나 그 중심에는 조화가 있다. 작가는 서로 다른 조각들이 어떻게 어우러질 수 있는지, 기억이 어떻게 인식으로 전환되는지를 시각적으로 탐색한다. 10여 년 넘게 축적해 온 고유한 패턴들은 매번 새롭고 낯선 원근법적 구조를 만들어낸다. 아크릴, 오일 스틱, 목탄, 연필, 얇은 콜라주 종이 등 다양한 재료들이 층층이 쌓이며 화면의 밀도를 이루고 서로 다른 물성이 긴장 속에서 공존한다. 매일 이러한 균형을 시험하며, 그림이 스스로 호흡할 수 있는 조건을 탐색해 나간다. 종종 화면 중앙에 수직선을 긋기도 하는데, 이는 대칭을 위한 축이자 긴장과 해방을 동시에 품는 횡격막처럼 작동한다.

정윤경의 회화는 여성으로서의 시간, 신체로서의 기억을 따라 유기적으로 맥동한다. 캔버스는 밑칠 없이 노출된 살아 있는 피부처럼 색의 파동에 의해 흩어지고, 그녀의 시각 언어는 탄생과 팽창, 그리고 소멸이라는 자연의 순환에 기반한다. 산과 식물, 바다와 하늘 같은 자연의 요소들은 신체와 같이 때론 팽창하고 갈라지며, 부풀고 가라앉고, 피었다가 사라진다. 이는 나이 들어가는 인간의 몸과도 닮아 있다. 겹겹이 덧댄 종이는 물감 위에 얇은 막처럼 얹히고, 그 가장자리는 찢기거나 닳아 있어 안과 밖을 가르는 경계를 드러낸다. 각각의 형태는 푸르고 어두운 밤 속에서 조용히 숨구멍을 뚫고 올라온다. 어떤 작품에서는 산다화 꽃잎이 흩날리다 새 떼로 변하고, 또 다른 장면에서는 검은 폭포가 안으로 흘러들며, 모든 에너지가 응축된 핵심을 향해 몰려든다.

전면적으로 추상적인 형식 안에서도 정윤경의 회화는 여전히 현실의 잔향을 품고 있다. 어둡고 깊은 자연의 감각조차 흡수하는 감각적 밀도가 화면 안에 자리한다. 이를테면 병이나 고통은 명시적으로 언급되지 않지만, 그 존재는 그림 속에 머문다. 이러한 감각의 밀도는 화면을 가로지르는 노란 네온빛의 띠를 통해 극대화된다. 이 모티프는 코로나 팬데믹 시기에 시작되었으며, 화면을 손가락으로 훑는 강박적 움직임을 담고 있다. 그것은 외부와 연결되던 유일한 접점, 그리고 아직 온기가 남아 있던 손끝의 기억을 시각적으로 옮긴 것이다. 이처럼 위기를 다루는 작가의 섬세한 감각은 그 시기를 하나의 존재 방식이자 돌봄의 몸짓으로 전환시킨다. 그녀의 작업은 이처럼 조용하지만 지속적인 회복의 움직임을 불러낸다. 밤의 심연에서 떠오른 낯선 감정과 아픈 흔적들이 천천히 모습을 드러내고, 받아들여지며, 마침내 하나의 전체로 다시 엮여 간다.