[COLOGNE] QUOTIDIAN FEVER: YUN KYOUNG JEONG

[ENGLISH]

Yun-Kyung Jeong is a Korean painter largely educated in the UK. She received her BA from the College of Art & Design at Ewha Womans University in 2006 and completed her MFA at the Slade School of Fine Art in 2008. She now lives and works in Seoul. Quotidian Fever is her first solo exhibition at JARILAGER Gallery Cologne.

Jeong describes the inspiration behind her paintings as a sensorial return to the night, often evoked as a subaqueous world: the feeling of sea salt on moist skin, deep underwater breathing, silence, tidal visions flickering between darkness and light. She translates these impressions into vibrant colours and a complex abstract language of layered patterns and organic growth. Her landscapes resemble amniotic ecosystems – ancestral places in her memory and imagination to which she returns to find impulses to move forward. Here, her body finds space to recover, and what has been lost, injured or cut can begin to grow again.

Jeong’s painting routine changed profoundly after getting married and becoming a mother. She now paints during the day, while the night, once a space of intimacy and reflection, has become distant. Day after day, she tries to gather the pieces of her lost nights and hold them together through painting. In her technique, this process takes shape as a delicate negotiation between balance and imbalance – a tension at the heart of much Eastern spirituality, where opposing forces are seen not as contradictions, but as vital components of human nature. At first glance, Jeong’s compositions may appear chaotic, like a body in constant flux, swallowing, digesting, transforming. Membranes and lines ripple across the surface, pulsing like micro-organisms under a microscope. And yet, harmony is central. The artist works to visualise how things might come together, how memories might turn into recognitions. For over a decade, she has been refining her own repertoire of patterns, layering them with precision to generate fresh perspectival effects each time. This formal complexity is sustained by a versatile approach to materials: acrylic paint, oil sticks, charcoal, pencil and ultra-thin collaged paper. All elements coexist in a shifting equilibrium – one she has to explore daily, testing the conditions under which a painting might begin to breathe autonomously. Usually, she draws a vertical line down the centre of the canvas to support symmetry, a diaphragm that holds tension and release.

Jeong’s paintings echo the organic rhythms that have shaped her, both as a woman and as a body. The canvas feels like a living skin, unprimed, thus exposed as it is, scattered by waves of colour. The visual language is rooted in the natural cycles of birth, expansion and decay. Mountains, plants, seawater, the sky – nature as a whole stretches and ruptures, swells and recedes, flourishes and fades, much like the human body growing older. Fine layers of paper, like translucent pellicles over pools of paint, their edges dented or frayed, suggest fragile thresholds between the inside and the outside. Each form seems to break through the breathing hole of a blue-green night. In one painting, a gentle fall of camellia (sandawha) petals scatters mid-air, transforming into a flock of birds. In another, black waterfalls flow inwards, drawn to a magnetic core where energy turns dense.

Though fully abstract, Jeong’s paintings hold onto traces of the world with a sensorial force that absorbs even the darkest natural phenomena. Illness, for instance, is never named, but it lingers. This sensorial charge intensifies in the recurring bands of yellow neon light that cut across her works. The motif was born during the Covid pandemic, translating the compulsive movement of fingers across screens – our only link to the outside world – still warm with the memory of touch. Handled with rare delicacy, her aesthetics turn a time of crisis into a gesture of presence and care, a way to remain close despite the distance. Her works, in this light, always invite quiet reconstruction: unfamiliar feelings and painful symptoms rise from the deep waters of the night to be acknowledged, accepted and slowly reassembled into something whole.

[GERMAN]

Yun-Kyung Jeong ist eine koreanische Malerin, die überwiegend im Vereinigten Königreich ausgebildet wurde. Sie erhielt 2006 ihren BA vom College of Art & Design der Ewha Womans University und schloss 2008 ihren MFA an der Slade School of Fine Art ab. Heute lebt und arbeitet sie in Seoul. Quotidian Fever ist ihre erste Einzelausstellung in der JARILAGER Gallery Köln.

Jeong beschreibt die Inspiration hinter ihren Gemälden als eine sinnliche Rückkehr zur Nacht, oft als unterseeische Welt imaginiert: das Gefühl von Meersalz auf feuchter Haut, tiefes Atmen unter Wasser, Stille, Gezeitenbilder, die zwischen Dunkelheit und Licht flackern. Diese Eindrücke übersetzt sie in vibrierende Farben und eine komplexe abstrakte Sprache aus geschichteten Mustern und organischem Wachstum. Ihre Bildwelten erinnern an amniotische Ökosysteme – archaische Orte ihrer Erinnerung und Vorstellungskraft, zu denen sie zurückkehrt, um neue Impulse zu finden. Hier findet ihr Körper Raum zur Regeneration, und das, was verloren, verletzt oder abgeschnitten wurde, kann wieder zu wachsen beginnen.

Jeongs Malroutine hat sich nach ihrer Heirat und Mutterschaft grundlegend verändert. Heute malt sie tagsüber, während die Nacht, einst ein Raum der Intimität und Reflexion, in die Ferne gerückt ist. Tag für Tag versucht sie, die Fragmente ihrer verlorenen Nächte zu sammeln und sie durch das Malen zusammenzuhalten. In ihrer Technik nimmt dieser Prozess die Form einer feinen Verhandlung zwischen Gleichgewicht und Ungleichgewicht an – einer Spannung, die im Zentrum vieler östlicher spiritueller Traditionen steht, wo Gegensätze nicht als Widersprüche, sondern als notwendige Pole des Menschseins verstanden werden. Auf den ersten Blick wirken Jeongs Kompositionen chaotisch, wie ein Körper in stetem Wandel: verschlingend, verdauend, sich verwandelnd. Membranen und Linien ziehen sich über die Bildfläche, pulsierend wie Mikroorganismen unter dem Mikroskop. Und doch ist Harmonie zentral. Die Künstlerin sucht nach Bildern, in denen sich Dinge verbinden können, in denen Erinnerungen zu Erkenntnissen werden. Seit über einem Jahrzehnt verfeinert sie ihr eigenes Repertoire an Mustern, die sie präzise übereinanderschichtet, um jedes Mal neue perspektivische Effekte zu erzeugen. Diese formale Komplexität wird durch einen vielseitigen Umgang mit Materialien unterstützt: Acrylfarbe, Ölkreiden, Kohle, Bleistift und ultradünnes Collagepapier.

Alle Elemente koexistieren in einem instabilen Gleichgewicht – einem Zustand, den sie täglich neu auslotet, um herauszufinden, wann ein Bild beginnt, eigenständig zu atmen. Meistens zieht sie eine vertikale Linie durch die Mitte der Leinwand, ein Zwerchfell, das Spannung und Entspannung hält.

Jeongs Malerei folgt den organischen Rhythmen, die sie geprägt haben, als Frau und als Körper. Die Leinwand wirkt wie lebendige Haut, unbehandelt, nackt dem Strom der Farben ausgesetzt. Ihre Bildsprache wurzelt in den natürlichen Zyklen von Geburt, Ausdehnung und Verfall. Berge, Pflanzen, Meerwasser, Himmel – die Natur als Ganzes dehnt sich aus und bricht, schwillt an und zieht sich zurück, blüht auf und vergeht, so wie der menschliche Körper im Laufe des Lebens. Dünne Papierschichten, wie durchscheinende Folien über Farbpfützen, markieren fragile Schwellen zwischen Innen und Außen. Jede Form scheint durch das Atemloch einer blaugrünen Nacht zu brechen. In einem Bild verwandelt sich ein sanfter Fall von Kamelienblüten (sandawha), die sich in der Luft verteilen, in einen Vogelschwarm. In einem anderen fließen schwarze Wasserfälle nach innen, angezogen von einem magnetischen Zentrum, in dem sich Energie verdichtet.

Obwohl Jeongs Bilder völlig abstrakt sind, fangen sie die Spuren der Welt mit einer sinnlichen Kraft ein, die selbst die dunkelsten Naturphänomene in sich aufnimmt. Krankheit zum Beispiel wird nie benannt, ist aber spürbar anwesend. Diese sinnliche Aufladung verdichtet sich in den immer wiederkehrenden gelben Neonstreifen, die ihre Bilder durchziehen. Das Motiv entstand während der Covid-Pandemie und übersetzt die zwanghafte Bewegung der Finger auf den Bildschirmen – unsere einzige Verbindung zur Außenwelt – noch warm aus der Erinnerung an die Berührung. Mit seltener Zartheit verwandelt Jeong diese Krisenzeit in eine Geste der Nähe und Fürsorge, einen Weg, trotz Distanz miteinander verbunden zu bleiben. Ihre Arbeiten laden in diesem Licht stets zur leisen Rekonstruktion ein. Unbekannte Gefühle und schmerzhafte Symptome steigen aus der Tiefe der Nacht auf, um anerkannt, angenommen und langsam zu etwas Ganzem zusammengesetzt zu werden.

[KOREAN]

윤경정은 영국에서 주로 교육을 받은 한국 작가입니다. 2006년 이화여자대학교 조형예술대학에서 학사를, 2008년 런던대학교 슬레이드 미술학교에서 석사 과정을 마쳤습니다. 현재는 서울에 거주하며 작업을 이어가고 있습니다. Quotidian Fever는 쾰른의 JARILAGER 갤러리에서 열리는 그녀의 첫 번째 개인전입니다.

윤 작가는 자신의 회화에서 영감을 받는 과정을 “감각적으로 밤으로 돌아가는 일”이라고 말합니다. 그녀가 자주 떠올리는 밤은 수중 세계처럼 느껴지며, 바닷물이 묻은 피부의 감촉, 깊은 수중 호흡, 침묵, 어둠과 빛 사이를 오가는 조수의 환영으로 표현됩니다. 이러한 감각적 인상을 그녀는 선명한 색채와 유기적인 성장의 중첩된 패턴으로 구성된 복합적인 추상 언어로 번역해냅니다. 그녀의 풍경은 마치 양수 속 생태계처럼 보이며, 기억과 상상 속 원초적인 장소로 되돌아가 앞으로 나아갈 충동을 발견하려는 여정을 담고 있습니다. 이곳에서 그녀의 몸은 회복의 공간을 찾고, 상처 입거나 잃어버린 것들이 다시 자라기 시작합니다.

결혼과 출산 이후, 윤 작가의 작업 루틴은 근본적으로 달라졌습니다. 이제 그녀는 낮에 작업을 하고, 한때 친밀함과 사색의 시간이었던 밤은 멀어진 감각이 되었습니다. 그녀는 매일 밤의 파편들을 다시 모아 회화를 통해 그것들을 붙잡으려 노력합니다. 이 과정은 그녀의 기법에서도 고스란히 드러나며, 균형과 불균형 사이의 섬세한 협상으로 나타납니다. 이는 동양적 정신성의 중심에 있는 긴장이기도 하며, 서로 상반되는 힘을 모순이 아닌 인간 본성의 필수 요소로 보는 시각과도 닿아 있습니다. 처음 보기에는 윤 작가의 구성은 혼란스러워 보일 수 있지만, 마치 끊임없이 변화하는 신체처럼, 삼키고, 소화하며, 변형되어 갑니다. 미세한 유기체처럼 보이는 막과 선들이 화면 위를 맥동하며 퍼져 나가고 있습니다. 그러나 그 중심에는 언제나 조화가 자리 잡고 있습니다. 그녀는 조각들이 어떻게 하나로 엮일 수 있을지, 기억이 어떻게 인식으로 전환되는지를 시각화하려 애씁니다. 10여 년 동안 그녀는 자신의 패턴 레퍼토리를 다듬어 왔고, 이를 정밀하게 중첩시켜 매번 새로운 시각 효과를 만들어냅니다. 이러한 형식적 복잡성은 다양한 재료에 대한 유연한 접근을 통해 유지됩니다. 아크릴 페인트, 오일 스틱, 목탄, 연필, 그리고 매우 얇은 콜라주 종이 – 이 모든 요소들은 끊임없이 변화하는 균형 속에 공존하며, 그녀는 매일 그것을 탐색하고, 회화가 자율적으로 ‘숨쉬기’ 시작할 수 있는 조건들을 시험합니다. 보통 그녀는 캔버스 중앙에 수직선을 긋는데, 이는 대칭을 유지하기 위한 지지 구조로, 긴장과 이완을 함께 품고 있습니다.

윤 작가의 회화는 그녀를 형성해온 유기적 리듬을 반영합니다. 여성으로서, 또 하나의 몸으로서 말입니다. 캔버스는 살아 있는 피부처럼 느껴지며, 바탕칠이 되어 있지 않아 그대로 노출돼 있고, 색채의 물결 속에 흩어져 있습니다. 그녀의 시각 언어는 탄생, 팽창, 소멸이라는 자연의 순환과 맞닿아 있습니다. 산과 식물, 바닷물, 하늘 – 자연 전체가 팽창하고, 터지고, 부풀었다가 수축하고, 번성하다가 사라집니다. 이는 늙어가는 인간의 몸과도 닮아 있습니다. 얇고 투명한 종잇장이 물감의 웅덩이를 덮듯 겹겹이 놓여 있으며, 그 가장자리의 찢어짐이나 들뜬 흔적은 안과 밖 사이의 연약한 경계를 암시합니다. 각 형태는 청록빛 밤의 숨구멍을 뚫고 나오는 듯합니다. 어떤 작품에서는 산다화(동백꽃) 꽃잎이 공중에서 흩날리며 새 떼로 변하고, 또 다른 작품에서는 검은 폭포가 안쪽으로 흐르며 에너지가 응축된 자기장 같은 중심으로 빨려 들어갑니다.

완전히 추상적인 작업이지만, 윤 작가의 회화는 세계의 흔적을 감각적인 힘으로 간직하고 있습니다. 그 힘은 어두운 자연현상마저도 흡수합니다. 예를 들어 병은 결코 직접적으로 언급되지 않지만, 그 기운은 그림에 머뭅니다. 이러한 감각적 충전은 그녀의 작업 전반을 가로지르는 노란 네온빛 띠에서 더욱 강렬해집니다. 이 모티프는 코로나 팬데믹 기간 중 탄생했으며, 스크린 위를 끊임없이 움직이던 손가락의 궤적을, 즉 외부 세계와 연결되는 유일한 통로였던 접촉의 기억을 시각화한 것입니다. 그녀는 이 감각을 극도로 섬세하게 다루며, 위기의 시간을 존재와 돌봄의 제스처로 전환합니다. 멀어진 거리 속에서도 서로 가까이 머무를 수 있는 방식이죠. 그런 의미에서 그녀의 작업은 언제나 조용한 복원을 초대합니다. 낯선 감정과 고통스러운 증상이 밤의 깊은 물속에서 떠올라 인식되고, 수용되며, 서서히 온전한 형태로 다시 조립되어 갑니다.