![[COLOGNE] SHOW ME YOUR SOUL, XAVIER BAXTER](https://artlogic-res.cloudinary.com/w_800,h_800,c_limit,f_auto,fl_lossy,q_auto/ws-artlogicwebsite0781/usr/images/exhibitions/group_images_override/149/xavier-baxter-web-overview-25-02-20.jpg)
[ENGLISH]
New York-based painter Xavier Baxter embodies several of the most romantic clichés about artists. Born in London in 1991 into a multigenerational family of painters and sculptors, he has the DNA of a fast-forward kid, the dandyish accent of an Englishman living in the US, and a refined yet restless sensibility: cultivated, self-indulgent, with a touch of turbulence and punk. Far from living in the shadow of his family’s legacy, he has, in true artist fashion, made the rules of his own game. Venturing into his solo career after completing a BA at City & Guilds of London Art School, he opted for a little anonymity, rechristening himself Xavier Baxter, the name his parents called him as a child. My name, my style – a stubborn declaration of autonomy that continues to shape his practice today. From his Instagram account, which first connected him to his audience, to his recent exhibitions across the UK, Germany, and Korea, Baxter’s past few years have been all upswing into visibility. He is now recognised for his distinctive painterly approach to the human figure – a fusion of classical expressive poses with abstract, contemporary surface processes.
This exhibition marks a long-awaited comeback to JARILAGER Gallery Cologne. The exhibition title, Show me your soul, is both an imperative and the core of Baxter’s artistic credo.
Every day in Baxter’s studio is a quest for the Holy Grail of the perfect mark at the perfect moment. Brushes clean, ready for war. It begins with three full days of preparatory work: he coats the canvas with acrylic gel, ensuring that colours can be scraped off with ease during their feverish application (sometimes, the artist must be ready to charge and retreat in an instant). Another two days are devoted to mixing colours, mostly oils. He never uses pigment straight from the tube; his alchemy must remain a mystery. Then, in a burst of no more than ten or eleven hours, he attacks the canvas with a full arsenal – thick and thin lines, smashing strokes and delicate touches, scrapers, palette knives, hands, and brushes of every size. Speed is paramount; paint must be worked while still wet. Every stroke matters, every move is a decision. Baxter thrives on the unpredictability of wet paint, its risky interactions, the imperfections, the ‘grimy bits,’ the constant push and pull. Letting it dry, layering too carefully, would sterilise the work, strip it of its energy. And destruction, of course, is essential to his crusade: ‘If something comes out too nice, too beautiful – if it stops moving – then it has to be removed.’
Since the earliest cave paintings in southern France, figures have drawn us in, because they create emotional bonds, they tell stories. For Baxter, portraiture is key to understanding the cultural and emotional power of art. In his paintings, figures are hidden in plain sight. They are there, but need to be extracted, as if they were fossils embedded in the canvas – an idea rooted in Baxter’s childhood fascination with fossil hunting. His compositions are loosely inspired from the Old Masters (Rubens, Delacroix, Dürer, Caravaggio). Baxter zooms in on the postures of their secondary characters, isolating and distorting them, pushing their gestures further into abstraction. Initial outlines are drawn and redrawn until they dissolve into ‘tornados of pure movement.’ A giant with one eye and four feet might first appear in a corner, then vanish, then resurface as canvas marks build up. Once you see them, you cannot unsee them – muscular titans, heads tilted, limbs tangled and pulled inward, as if wrestling against the edges of the canvas.
Despite the energy behind Baxter’s strokes, these figures are not aggressive. There is something raw yet gentle about them, a presence that feels both spiritual and ancient. Particular attention is given to the heads. ‘They must feel honest,’ says Baxter. ‘Once they emerge, you let them be, you stay quiet. The challenge lies in capturing them in one-go, without betraying the power of their own expression.’
Baxter never settles. His practice is a constant test of courage, where every mark feels like the first. ‘For me, it is important for the work to show my soul and emotion, to exude vitality. I want my paintings to hit you hard from a distance.’ Leaving a mark, just like the search for uniqueness in one’s craft, is one of the most primal and enduring instincts, both for the artist and humankind. The equation keeps shifting, but painting will never die. For Baxter, this is more than a belief; it is an absolute mission.
[GERMAN]
Der New Yorker Maler Xavier Baxter verkörpert viele der romantischsten Künstlerklischees. Geboren 1991 in London in eine Familie von Malern und Bildhauern, vereint er das instinktive Talent eines Wunderkinds mit dem distinguierten Akzent eines Engländers in den USA. Seine Sensibilität ist zugleich kultiviert und ruhelos, mit einem Hauch von Exzentrik, Unangepasstheit und Punk. Doch statt im Schatten seines familiären Erbes zu stehen, hat er – ganz Künstler – seine eigenen Regeln geschaffen. Als er nach seinem Abschluss an der City & Guilds of London Art School den Weg als Solokünstler einschlug, entschied er sich für eine gewisse Anonymität und nahm den Namen Xavier Baxter an – so hatten ihn seine Eltern in der Kindheit genannt. My name, my style – eine kompromisslose Erklärung von Autonomie, die seine Arbeit bis heute prägt. Von Instagram bis zu Ausstellungen in Großbritannien, Deutschland und Korea: Baxters Aufstieg war rasant. Heute ist er für seinen malerischen Ansatz zur menschlichen Figur bekannt – eine Fusion aus klassischen, expressiven Posen und abstrakten, zeitgenössischen Oberflächenprozessen.
Show me your soul markiert Xavier Baxters erwartete Rückkehr in die JARILAGER Gallery Köln. Der Titel ist sowohl ein Imperativ als auch das Herzstück seines künstlerischen Credos.
Jeder Tag in Baxters Atelier ist eine Suche nach dem Heiligen Gral des perfekten Strichs im perfekten Moment. Pinsel gereinigt, kampfbereit. Die Arbeit beginnt mit drei Tagen Vorbereitung: Die Leinwand wird mit Acrylgel grundiert. So lassen sich die Farben später leicht wieder abtragen (manchmal muss der Künstler bereit sein, im Bruchteil einer Sekunde anzugreifen oder sich zurückzuziehen). Zwei weitere Tage sind dem Mischen der Ölfarben gewidmet. Niemals direkt aus der Tube; seine Alchemie bleibt ein gut gehütetes Geheimnis. Dann folgt eine konzentrierte Phase von höchstens elf Stunden, in der er die Leinwand mit voller Intensität bearbeitet – dicke und dünne Linien, wuchtige Pinselstriche und sanfte Berührungen, Schaber, Spachtel, Hände und Pinsel aller Größen. Geschwindigkeit ist entscheidend: Die Farbe muss nass verarbeitet werden. Jeder Strich zählt, jede Bewegung ist eine bewusste Entscheidung. Baxter lebt von der Unvorhersehbarkeit der nassen Farbe, ihren riskanten Wechselwirkungen, den „schmutzigen Stellen“, den Unregelmäßigkeiten. Trocknen lassen würde das Werk sterilisieren und seiner Energie berauben. Und Zerstörung gehört natürlich zu seinem Prozess: „Wenn etwas zu schön wirkt – wenn es aufhört, sich zu bewegen – dann muss es zerstört werden“.
Seit den frühesten Höhlenmalereien in Südfrankreich ziehen uns Figuren in ihren Bann – sie erzählen Geschichten, sie schaffen Verbindungen. Für Baxter ist die Porträtmalerei der Schlüssel zum Verständnis der kulturellen und emotionalen Kraft der Kunst. In seinen Gemälden sind Figuren zwar da, aber nicht auf den ersten Blick sichtbar. Sie müssen freigelegt werden, wie Fossilien, die in die Leinwand eingebettet sind – ein Konzept, das auf seine Kindheitsfaszination für Fossilien zurückgeht. Seine Kompositionen sind locker von den Alten Meistern inspiriert (Rubens, Delacroix, Dürer, Caravaggio). Doch Baxter isoliert ihre Nebenfiguren, verzerrt ihre Posen und treibt ihre Gesten in die Abstraktion. Ihre ersten Umrisse werden so lange überarbeitet, bis sie sich in Wirbelstürme reiner Bewegung auflösen. Ein einäugiger Riese mit vier Füßen mag zunächst in einer Ecke erscheinen, dann verschwinden und schließlich wieder auftauchen, während sich die Striche verdichten. Sobald man sie sieht, lassen sie sich nicht mehr ausblenden – kraftvolle Gestalten mit geneigten Köpfen und verwobenen Gliedern, die sich gegen die Ränder der Leinwand zu wehren scheinen.
Trotz der Intensität seiner Pinselstriche sind Baxters Figuren nicht aggressiv. Sie besitzen eine rohe, aber sanfte Präsenz, eine spirituelle, fast archaische Kraft. Besonders den Köpfen widmet er größte Aufmerksamkeit. „Sie müssen ehrlich wirken“, sagt Baxter. „Wenn sie einmal da sind, lässt man sie sein. Die Herausforderung besteht darin, sie in einem Zug einzufangen, ohne ihre Ausdruckskraft zu verfälschen“.
Baxter gibt sich nie zufrieden. Seine Arbeit ist eine fortwährende Mutprobe – jeder Strich fühlt sich wie der erste an. „Für mich ist es entscheidend, dass das Werk meine Seele und Emotionen zeigt, dass es Vitalität ausstrahlt. Ich will, dass meine Bilder aus der Ferne treffen“. Leaving a mark, genauso wie die Suche nach Einzigartigkeit, gehört zu den ursprünglichsten und beständigsten Instinkten, für den Künstler ebenso wie für die Menschheit. Die Parameter mögen sich ändern, aber die Malerei wird nie sterben. Für Baxter ist das nicht nur eine Überzeugung, sondern eine absolute Mission.